楽譜には様々な情報が書き込まれており、建物の設計図と同じで実際に演奏して初めて実像化します。
しかし同じ楽譜から同じ演奏にはなりません。その理由の一つは楽譜に「暗号」と似た部分が多いからだと思います。
「暗号」解読にはそれを読み解く技術が必要です。解読した後は建物と同様に正確に美しく作り上げる作業になります。
この講座では、２０１１年度のPTNAコンペ課題曲を素材にして楽譜を音楽の設計図として捉え、演奏に役立つ手法をご提案したいと思います。
提出課題は無し。もしくは簡単なレポート的なものに留めます。その分生徒さんの指導に活かしていただき、より良きアドバイスの一助になっていただければ光栄です。

楽譜を「湖（みずうみ）」たとえると、一見みな同じような水面でもその成り立ち・深さ・色・水面下の状況は千差万別です。二次元の水面や楽譜の下には、それぞれ奥深い世界が広がっています。その世界を知るにはその奥底を目指して潜ることです。その際の装備にあたるものが楽譜に関する「知識」と「見解」そして「経験」です。
この講座では、楽譜を通して作曲者が音に込める「心の語り」について、私自身のオリジナルアンサンブル曲を数曲持参し、それらを再現しながら曲ごとにその奥底を語ってみたいと思います。提出課題は講座を受講した「感想文スタイルのレポート」にしたいと思います。

　大半の器楽作品は、作曲家が楽器を弾きながらつくったと思われます。ですから、作品には、楽器の姿やありようが投影されています。
　ピアノ曲の場合は、とりわけ、チェンバロやクラヴィコードから現代のピアノの前身であるフォルテピアノへと移り変わっていった時代、つまり、ハイドンとモーツァルトの作品には、想定されていた楽器のありようが作品の内容にも大きな影響を与えています。このことは、ほぼ、チェンバロの時代が終わり、ピアノの時代を生きた、ベートーヴェンの作品にもあてはまります。
　現代のピアノで、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンの作品を弾く時にも、それぞれの作品に投射されている当時の楽器の特性が考慮されるべきでしょう。それらを踏まえてこれらの作品を弾く時、おそらく、演奏に深みと芸術性が加わると思います。
　今回の講座では、モーツァルトが馴染んだ楽器、クラヴィコードにも触っていただき、当時の楽器の特性を感じていただきながら、ご一緒に演奏法を考えてみたいと思います。

音楽の基本的な表現方法を再確認し、それを基に2011年PTNAコンペティションA1・B級課題曲のうちから数曲を取り上げて、可能な解釈と相応の演奏の結び付け方を、参加者で考えてみたいと思っています。事前に各曲の構造を見てアナリーゼしていただき、それを基にした可能な解釈とその組み合わせを実際に何人かの参加者に演奏していただいて検証できれば、と考えています。
「コンペティションに入賞しやすい演奏」などを目的とするのではなく、構成を基にさまざまな解釈・さまざまな演奏の可能性を自由に独自に出していただいて、いろいろな演奏の可能性を探ることができるようにしたいと考えています。

ピアノを演奏したり指導していると「選曲」の必要に迫られる場面が多くあります。膨大なピアノ曲の中からコンセプトに合った曲を選ぶのには、幅広い知識が必要ですし、そのセンスも問われます。
例えば、
・レッスンでは次の教材の「選曲」次第で生徒のやる気も上達度も変わります。
・発表会も生徒のモチベーションを上げるために「選曲」は重要です。
・コンクールでは審査員が「選曲」の何に着目しているのか知る必要があります。
・そしてコンサート、当然「選曲」が勝負ですよね。
様々な場面での「選曲」の大切さと失敗しないコツを、私が長年取り組んでいる『おはなしとピアノ演奏シリーズ』など多くの実例を交えてお話し致します。

ピアノを勉強をする上で、ソナチネアルバムは古典作品への理解を深めるためには欠かせない定番の教材となっています。楽式の構造も複雑になり、作品の規 模も格段に大きくなります。その後のモーツァルトやベートーヴェンのソナタに つながる大切なステップにもかかわらず、「古典は無味乾燥でおもしろくない」 というイメージを抱かせてしまうことも。
その原因はどこにあるのでしょうか？
「古典作品はすべての基礎」と言われますが、その真意とは？
おもしろい教材にもなるし、つまらない教材にもなってしまうソナチネアルバム──その功罪と使い方を研究する講座です。

この講座は、楽譜のエディションについて学び、楽譜を読み取る力を高めることを目的とします。
演奏の基となる楽譜は、同じ曲が様々な出版社から数多く出版されていることが多いですね。"原典版"でさえも数種類存在することが稀ではありません。それらを見比べて、違いを見つけてしまうと、「どちらが正しいの？」と考えてしまう人も多いのではないでしょうか。
講座では、まず、楽譜というものが時代によってどのように捕えられていたか、そして、出版の際に校訂者はどのような問題意識を持っていたか、なぜ楽譜間に相違が生じてしまうのかをお話します。
そして、J.S.バッハのインベンションを見た後、ショパンを取り上げます。
ショパンの楽譜の出版事情を知った上で、演奏や指導の際には、それぞれの楽譜をどのように利用し、どのように読みとったら良いのかを考えていきます。
取り上げる曲は、簡単な小品（ワルツなど）です。
お手持ちの楽譜をご持参頂くことになります。

クリスマスのうたをアレンジしたピアノ曲集。かなりたくさん出版されています。
しかしほとんどのピアニストの方々は「楽譜通り」に演奏なさっているのではないかと。
もちろん、たとえ簡単なアレンジであっても、とても素敵なものはたくさんあります。
が、中にはすこし、いろいろな意味で「惜しい」アレンジの楽譜もあります。
そのような楽譜にほんの少し何かを加えてあげたら、（場合によっては余計な音をうまく減らしてあげることができたら）それはそれは自慢のクリスマスアレンジになるような気もします（もちろんクリスマス以外の音楽にも対応していますよ）。
この回はそんなことをまず基本から取り上げ、その後いわば「賄い料理」的な、エッセンスの効いた伴奏の作り方とその可能性を探ってみたいと思っています。
ワークショップご参加の方々のオリジナルアレンジで、来年以降のクリスマスがもっともっと盛り上がりますように！

レッスンや発表会での連弾の活用は、効果絶大。
それならば、先生ご自身が生徒さんのために連弾編曲できたら、どんなに便利か、楽しいか、素晴らしいか...
でもそんなことは難しい？
心配ご無用。実は、連弾アレンジはピアノ・ソロ編曲よりも簡単（かもしれない？！）。しかもそこには、メロディ、コード、リズムなど、編曲理論のエッセンスが詰まっています。
楽譜を書くことのみならず、楽譜を読むことへの導入にも役立つ、連弾編曲の入口へご案内します。

ワークショップ第九回の課題としてご提出いただいた作品や、そのほかの編曲例を、みんなで検証してみましょう。
連弾の検証はひとりじゃできない？！　ワークショップならではの音出し体験です。
アンサンブル編曲の思わぬむずかしさ、そして、思わぬ効果や歓び......。
教材制作の体験で得る新しい発見は、とても大切なことにつながっていきます。
「連弾」「編曲」はもとより、「指導」「音楽」の真髄に迫ります。