音楽には、呼吸がある。音楽における呼吸とは、どこからどこまでが「ひとくくりなのか」というフレーズである。いわば、文節であり、文章であり、段落であり、章であり、それらが有機的に連なってひとつの物語ができる。曲が大規模になると、緊張と解放が引き延ばされ、「ひとくくり」が複雑に重なりあって大きなくくりとなり、解決するまで長い時間をかけるようになる。それだけに、解決した時の解放感も大きい。

だからこそ、音楽の規模に見合った呼吸が求められる。フレーズの捉え方が大きければ、より大きな流れが見えてくる。また緊張と解決の因果関係も、より長い時間軸で捉えられるようになる。しかしこの音楽の呼吸を、演奏者自身が浅く短い呼吸でとらえてしまうと、フレージングが細切れになってしまうことがある。ソナタなどの大規模な音楽はとくにそれが顕著になる。たとえるならば、雄大な長編小説が描かれているはずなのに、短編の寄せ集めになってしまうのである。

では、音楽がどんな呼吸をしているのかはどう分かるのだろうか？たとえばリトミックのように音楽に合わせて身体を動かしたり、楽譜を読みながら歌ったり、眼を閉じて心の中で音楽を奏でるのも良い。音を出す前に、まず音楽を受けとめ、フレーズの流れを感じてみること。それだけで、自分のではなく、音楽の呼吸に合わせたフレーズになっていくはずだ。するとフレーズに方向性ができ、フレーズとフレーズの間にも音楽が流れ、音楽そのものが自然に呼吸するようになるだろう。

2013年ヴァン・クライバーン国際コンクール審査員を務めた指揮者のシャン・ジャン氏は、こう語っている。「音楽に説得力がある演奏者を見出したいと思っています。それはテンポの設定や、フレージングの創り方など、ほんのわずかなこと、些細なことだったりします。でもその細かい部分が、その音楽家の全てを物語ることがあるのですね」（審査員の指揮者視点）

ジュニア国際コンクールの事例から、このことを考えてみたい。こちらは2012年度記事「ジュニア国際コンクールの今」で、ジュニア世代を前期と後期に分けて論じている。前期と後期の大きな違いは、古典派ソナタが1楽章のみから全楽章になる点だ。全楽章となれば楽章同士の相関関係もあり、曲の規模もより大きくなってくる。10分か30分かで、曲の見方も呼吸の整え方も変わるだろう。

こちらは、2011年リスト国際ジュニアコンクール（独・ワイマール）のリポートである。入賞者にはある共通点があった。

"17歳以下の部門では、まず基本的なテクニックを備えた上で、各曲の特徴をよくとらえている点だろう。・・また呼吸が深いこと。特にグランプリを獲得したマリアム・バタシヴィリさんの呼吸の深さ、音楽を内側で深く捉える姿勢は他を圧倒していた。静けさで力強さを表現できる彼女のソロ演奏は、時間がたってもなお記憶が鮮明に残る。

また13歳以下の部門は、基礎的なリズム感や打鍵など、呼吸と身体の使い方を心得ている人が上位入賞した。そのフレームが出来ていれば、年齢を重ねて思考が熟成するのに伴って、いかようにも音楽を広げることができる。深みのある音色、自在なリズム感、フレージング、テンポ設定・・、それらは全て呼吸の質が関わっており、その大切さに気付かされたコンクールであった。"

マリアムさんはその後、2014年度リスト国際ピアノコンクール（オランダ・ユトレヒト）で優勝している。音楽の呼吸を十分に捉えられるだけの呼吸の深さをもっており、そのまま豊かな表現に反映されていた。じつは、呼吸は生命や健康維持に必要なだけでなく、学びの質にも関わってくる。

"呼吸というのは中枢神経系の発達においても大変大切な役割をしているので、私たちの神経発達の土台となる呼吸が未発達だと、その上につながる姿勢や体のコントロール、思考の発達は難しくなります。"（『トップ・アスリートだけが知っている「正しい」体のつくり方～パフォーマンスを向上させる呼吸・感覚・気づきの力』p112、山本邦子著、扶桑社、2015年）

呼吸は、思考の発達にも影響するほど大事なものである。呼吸が整えば、集中力が高まり、一方的に自分の話したいことだけでなく、相手の言葉にも反応を示すようになる、と同著は伝えている。これは「これはどんな音楽？」ということを、客観的に考えることにもつながる。作曲家が描いたのはどんな物語なのか？音楽はどう呼吸しているのか？音楽は可視化できないが、聴覚はその大きさや深さを感じとり、心の中で音を描いているはずだ。瞑想するように目を閉じて、（実音または心の中の）音に耳を傾け、一緒に呼吸してみる。それだけで、今までとは違う音楽の姿が見えてくるだろう。