今ミュージカル・スペクタクル（音楽と舞踊）の振付を手がけています。1作はヴェルディ作曲の歌劇『イル・トロヴァトーレ』を題材に、もう1作はサティ作曲『グノシエンヌ』（抜粋）を用いた振付です。まず音楽を聴いて譜面を研究し、自分で実際に踊ってみてから、ダンサーに踊ってもらいます。先に楽譜を読んで全体像をつかむことで、振付の形を整えやすくなります。その方法はサンクト・ペテルブルグ音楽院で教わりました（舞台監督科・振付専攻）。

音楽院では、文学作品を使って台本を書くワークショップ形式の授業がありました。たとえばサロメのバレエを創作する場合、まず作品を読んで、台本を書き、音楽の断片を選び、それに合う振付を考える、という手順で作品を構成していきます（大作の場合）。

音楽院ではこうした方法論を学び、あとは自分のインスピレーションにもとづいて創作することになります。大事なのは音楽から何をイメージするか、それをどう視覚的に観客に伝えていくかということ。サティを用いた作品では、ドガのバレリーナの絵画からイメージを膨らませました。絵画、彫刻、建築、詩、小説、音楽、コンテンポラリの振付など、芸術全般がインスピレーションの源になっています。

（音楽の採用にあたっては）演奏者と共同作業で「ここはもう少し休符を伸ばしてほしい」「ここはゆっくりめに」などの指示を出すこともあります。録音を使う場合にはいくつか音源を比較して、最も気に入った解釈を選びます。

6歳の頃から普通の初等教育と音楽専門教育を同時に受けており、音楽理論、ソルフェージュ、ピアノ（2年間）とバヤンを習っていました。ペテルブルグ音楽院では振付以外にも、音楽理論、総譜の読み方、振付のスコアも学び、振付とバレエマスターの学位を取得しました。

舞踊教師の資格があるので、古典バレエ、民族舞踊、社交ダンス、中世やバロックの舞踊（パヴァ―ヌ、コレンテ、ブレなど）などのヒストリカル・ダンスも教えることができます。舞踊形式の歴史的変遷を知ることで、振付のバリエーションも増えますね。

音楽そのものを解釈して演奏する音楽家と、音楽をもとに身体表現を創造する振付家。立場は異なるが、音楽にある様々な表情を読み取り、自分なりに表現する／自分なりの表現を生み出すという点においては、どちらも創造的な行為である。アレクサンドルさんはまず音楽を聴き、楽譜を読みながら、全体の構想を考えるという。もちろん様々なテクニックや舞踊形式の知識も不可欠。こうした基本を踏まえた上で、独創性豊かな想像力が発揮されている。