おそらく、最も重要なことだが、書くのが難しい。「歌いなさい」と先生が生徒に言えても「では、どうすればいいのですか？」ということになってしまう。
「歌う」というのは「のびやかに声を届けたい」ということだろう。人間の本能や呼吸と関係していると思う。出した声が延ばされて拡がるイメージを持っている。そこから考えると曲の中で「どこに拡がりがあるか」を見つけて、そこに表現のポイントを置けば「歌う」表現のヒントになる。「歌う」というのは、「音に息を注ぎこむ」と定義すればいいのではないか？

「歌う」ことは「ピアノには苦手」なことである。ピアノは「叩く音」であり「物理的に音は出てから時間とともに減衰する」宿命から、逃れることはできない。ピアノを「道具」としてみた場合、人間の「手の延長（打楽器）」なのか「声の延長（弦楽器）」なのか、問題である。ピアノの使われ方を見ると「声の延長（弦楽器）」のほうが圧倒的に多いと思われる。チェンバロも「弦楽合奏の模倣」として演奏されていた。私は、ピアノは「機構的には打楽器（手の延長）」「使われ方としては弦楽器や管楽器（声の延長）」だと考えている。ピアノで歌う場合、自分から楽器に向かって動き(息）を伝えるようにしている。
ここで一つ重要な注意、「自分が動くのではない。楽器に動きを伝える」のである。多くの「ピアノ演奏時の無駄な動き」は、このことが理解されていない時におきる。「自分が動くことによって心理的な満足」や「自分が動いても音に反映されないので、さらに大きく動いてしまう。力が入りすぎる原因でもある」これに対し、教師は「生徒の動きを止める」のでなく「楽器に動きを送る」ように流すのが理想である。というのも演奏者は「表現したい」から動くのであって「止める」ことは「表現したい気持ちを止める」ことにつながりかねない。

いわゆるヨーロッパ音楽は「機能和声」によって発達した。だから「機能和声」の基本である「カデンツ」の中に「テンションの変化」がある。「テンション（緊張）の高いところに膨らみを持たせる」曲をよく観察してみると「メロディーと伴奏」というとらえ方よりも「カデンツの進行」ととらえたほうがよいケースが多い。つまり「カデンツを歌う」ことをしないと「無表情」に聞こえてしまうのだ。譜例は、ハーモニーだけで推移している例である。また、ハーモニーの変化がリズムを作っていることも多い。

音に集中し「音が膨らみ空中に漂う」のをイメージしよう。「息を注ぎこむ」というのは「生命を与える」に通じる。 「歌う」ことは音楽に「生命を与える」ことだと思う。

※本稿は大竹道哉先生がご自身のfacebookページに掲載された文章を加筆修正のうえ転載したものです。

大竹　道哉／Michiya Otake（ピアノ）

東京音楽大学付属高校、大学、研究科を首席で卒業。読売新人演奏会出演。第53 回日本音楽コンクール入選。87～90 年ベルリン芸大留学。優等を得て卒業。井口愛子、弘中孝、野島稔、山口優、クラウス＝ヘルヴィヒ各氏に師事。ベルリン自由放送、ＮＨＫ-ＦＭ 出演。ベルリン交響楽団、大阪音楽大学ザ・カレッジオペラハウス管弦楽団・モーツァルト管弦楽団と共演。兵庫県明石市在住・全日本ピアノ指導者協会（ＰＴＮＡ）正会員。ピティナ・ピアノコンペティション審査員。 07年にはじめてのCD、「バッハ・ピアノリサイタル」（ライブ録音）を発売、 11年２枚目のCD「シューマン・子供の情景・クライスレリアーナ」を発売。 楽譜「ヴェーベルン：ピアノ曲全集」をプリズム社より校訂　出版する。 92 年より大阪音楽大学非常勤講師。 音源サイトでは100曲を超える演奏を公開する。
ホームページ ：http://www8.ocn.ne.jp/~m-ohtake/